Maison des Arts de Châtillon

"Thomas Bacher: on/off"

2012-02-03T17:43:00.000+01:00

Th. Bacher "Four Queens" (dans l'obscurité)

"Thomas Bacher est l’un des rares artistescontemporains à peindre à l’aide d’acryliques phosphorescents et donc à releverle défi qui traverse tout un pan de l’histoire de la peinture : commentcapter et restituer la lumière, ses teintes, ses variantes jusqu’à sonmouvement. En effet, ses œuvres sont à voir aussi bien de jour que de nuit etla lumière, surgie du tableau lui-même, s’estompe peu à peu avec le noir. Lesvilles-lumières qu’il peint le plus souvent laissent place alors au silence età une forme de méditation".

A. de Wasseige

A l'occasion de cette exposition, la Maison des Arts et la Galerie 100 Titres de Bruxelles coéditent un ouvrage de 120 pages couleurs qui dresse le panorama de l'œuvre de cet artiste américain.

Horaires d'ouverture: du mardi au dimanche, de 14h à 18h. Jusqu'au 25 mars 2012.

Entrée libre.

Attention :

L'exposition sera exceptionnellement fermée au public

le mardi 7 février 2012.

Nous vous prions de bien vouloir nous en excuser.

Vidéoconférence autour de l'exposition "Thomas Bacher : on/off"

2012-01-20T17:27:00.001+01:00

La Maison des Arts et la Médiathèque de Châtillon sont heureux de vous inviter
à une vidéoconférence animée par le galeriste et éditeur d'art

Alain de Wasseige

autour de l'exposition "Thomas Bacher : on/off"

le samedi 28 janvier 2012 à 16h00

en présence de l'artiste

Inscription au 01 40 84 97 11

Médiathèque Max-Pol Fouchet - 2 rue Lasègue - 92320 Châtillon

" Thomas Bacher: on/off ": un avant-goût

2012-01-10T14:28:00.000+01:00

Aperçu, en vidéo, de l’exposition de Thomas Bacher:

A partir du 25 janvier 2012

Bonnes fêtes à tous !

2011-12-19T10:14:00.000+01:00

Thomas Bacher "Paris" - tableau vu dans l'obscurité (peinture acrylique phosphorescent)

La Maison des Arts vous souhaite de passer de très bonnes fêtes de fin d'année.

Rendez-vous à partir du 25 janvier 2012

avec l'exposition-événement

" Thomas Bacher : ON/OFF "

"Passerelle 2011"

2011-12-01T09:48:00.001+01:00

La Maison des Arts accueille du 9 au 18 décembre 2011 cinq artistes membres de l'Association des Artistes Châtillonnais sélectionnés lors du salon annuel.

Artistes: Stéphane Biotto, Laurent Navarre, Helen Powles, Christel Serrano et Hélène Szumanski (Helasz).

Tous les jours sauf le lundi. De 14h à 18h.
Entrée libre

2300

2011-11-28T00:30:00.000+01:00

Tel est le nombre de visiteurs qui ont franchi les portes de la Maison des Arts à l'occasion de l'exposition "Quatre sculpteurs contemporains: Albert Féraud, Claude Abeille, Agueda Lozano et Paul de Pignol" qui s'est achevée hier.
Une réussite donc pour cet événement qui restera dans les mémoires.

Environ 1000 écoliers châtillonnais ont bénéficié d'une visite guidée

La visite commentée par Lydia Harambourg a rencontré un franc succès.

L'exposition "Quatre sculpteurs contemporains" par Lydia Harambourg *

2011-10-10T16:52:00.001+02:00

" La présence de quatre sculpteurs à Châtillon démontre la vitalité d’un art qui demeure le plus social d’entre tous. Sa création est sans limites et sa participation à notre vie quotidienne ne peut être que régénératrice des relations humaines. Ancrée dans l’héritage d’un métier pérenne, elle s’est renouvelée au fil des temps en expérimentant des matériaux et des techniques pour un langage d’aujourd’hui qui réponde à nos interrogations et à nos désirs.

Albert Féraud, disparu en 2008, est un des pionniers de la sculpture en inox après 1945. Abstraite, sa sculpture développe un enchevêtrement de formes lyriques à partir de plis, de torsions, de bourgeonnements dont les rythmes intuitifs entre vides et pleins sont l’expression d’une inventivité au service d’une constante liberté. Chez l’artiste, le hasard appelle l’ordre. D’essence baroque, sa sculpture porte sa monumentalité dont l’énergie dispense une plénitude organique et un élan fraternel.

Féraud

Agueda Lozano d’origine mexicaine, travaille en France depuis les années soixante. Elle a choisi elle aussi l’inox pour des volumes appropriés à une géométrie sobre dont les formes planes, courbes et enroulées, dialoguent avec la lumière dans l’espace.

Lozano

Claude Abeille travaille le plâtre, ultérieurement fondu, et plus récemment les résines. Sculpteurs de formes, il crée une humanité dont l’enveloppe vestimentaire substituée au corps vaut comme métaphore de l’inquiétude existentielle à partir des plis gonflés ou apaisés d’un manteau, d’une veste, dépouilles qui expriment le mystère de l’être. Si le plâtre se prête à l’évanouissement de la forme corporelle, il approfondit sa liberté formelle avec les résines polychromes pour un nouvel élan vital avec ses danseurs dont la prestesse des attitudes le dispute au déséquilibre feint, et desquels l’humour et la poésie ne sont jamais absents.

Abeille

Paul de Pignol a élu la cire directe destinée à la fonte de bronzes. Ductile, sensuelle elle lui permet de dessiner dans la masse pour une approche intuitive du réel. Les formes gonflées, bourgeonnantes de ses Vénus callipyges, de ses Gaïa sont soulevées par l’énergie originelle. Entre normalité et monstruosité, ses déesses mères symbolisent une féminité matricielle. Elles revendiquent une beauté ontologique, secrète proche de la pulsion souterraine dont ses bronzes gardent l’empreinte érodée, tuméfiée, dans l’attente de leur éternité."

De Pignol

* Lydia Harambourg

Commissaire de l’exposition

Historienne Critique d’art

Membre correspondant de l’Institut, Académie des Beaux-Arts

La Maison des Arts a le plaisir de vous proposer
une visite commentée de l'exposition par Lydia Harambourg

le samedi 5 novembre 2011 à 16h

Inscription au 01 40 84 97 11

Nombre de participants limité

L'exposition est ouverte jusqu'au 27 novembre 2011

14h-18h

Fermeture au public le lundi

Entrée libre

"Quatre sculpteurs contemporains"

2011-09-27T16:06:00.002+02:00

Nous vous donnons rendez-vous à partir du 5 octobre pour découvrir l'exposition "Quatre sculpteurs contemporains: Féraud, Abeille, Lozano et De Pignol", fruit d’une nouvelle collaboration entre Lydia Harambourg (historienne critique d’art, correspondant de l’Académie des Beaux-Arts) et la Maison des Arts.

A travers cet événement, nous sommes heureux de pouvoir témoigner de la formidable richesse formelle et symbolique de la sculpture d’aujourd’hui.

Au fil de l'exposition, vous trouverez ici plus d'informations sur chacun des artistes présentés.

5 octobre-27 novembre 2011
ouvert tous les jours sauf le lundi
14h -18h
Entrée libre

Une rentrée sous le signe du Pop Art

2011-09-08T11:41:00.003+02:00

Pour sa rentrée et dans le cadre du 14ème Festival des Arts dans la rue de Châtillon*, la Maison des Arts vous invite à redécouvrir le travail d'Andrew Sloan.

AndrewSloan est un artiste américain autodidacte. Son style d’inspiration urbaine,contemporain aux couleurs vives mêle des images et des personnages de la viequotidienne à des éléments issus de la mode, de la musique, du design, del’anthropologie, de l’architecture et de différentes facettes de la cultureunderground. Travaillant la plupart du temps sur le bois ou la toile, Sloanutilise aussi des objets recyclés, des matériaux trouvés, du papier et tout cequi peut être peint.

Remarquéen 1994 alors qu’il réalisait des empreintes de bouche d’égout dans les rues deWashington DC, ses expositions en galerie n’ont cessé de se multiplier ces cinqdernières années. Il a été invité pour des expositions collectives avec denombreux artistes contemporains mondialement connus aujourd'hui, comme ShepardFairey, Phil Frost, Doze Green, Dave Kinsey et Jesse Reno.

Lestyle « dessiné à la main » de Sloan a été utilisé pour des logos,des pochettes de cd, des décorations de scènes, des flyers, des t-shirts, despeintures publicitaires, des planches de skate etc.

Leretour d’Andrew Sloan à Paris marque son 20ème voyage sur le continent et unenouvelle exploration de son travail. De personnages inspirés par la rue et lamusique à des natures mortes colorées, Sloan ré-imagine et réinterprète le quotidiendans un style unique et inventif.

ANDREW SLOAN
 AMERICAN POP ART #2

23, 24 et 25 septembre 2011

de 14h à 18h

Entrée libre

* Le 14ème Festival des Arts dans la rue de Châtillon se déroulera les 24 et 25 septembre 2011

tout le programme du Festival

Clap de fin (de saison)

2011-07-01T12:16:00.003+02:00

En attendant la rentrée, n'hésitez pas à jeter un coup d'œil à notre prochaine saison.

Autour des oeuvres de Satoru

2011-05-29T09:00:00.007+02:00

Les visites de classe organisées autour de l'exposition de Satoru s'intéressent tout particulièrement aux réalisations de celui-ci dans le domaine de la sculpture monumentale.

Quel est le lien entre l'œuvre peint et l'œuvre sculpté ? Quelle relation à l'espace, au promeneur l'artiste propose-t-il ? Ce sont ces questions qui sont soulevées et expérimentées au cours d'une activité commune.

Créer un espace de promenade en utilisant des cubes - plusieurs propositions d'élèves

Visites commentées de l'exposition Kishida/Satoru

2011-05-04T10:26:00.006+02:00

Nous avons le grand plaisir de vous convier à deux visites commentées de notre nouvelle exposition Kishida/Satoru.

Le samedi 21 mai 2011 de 16h à 17h, visite commentée de l'exposition du sculpteur Kishida, suivie d'une rencontre avec l'artiste.

Le samedi 28 mai 2011 de 16h à 17h, visite commentée de l'exposition de Satoru, suivie également d'une rencontre avec l'artiste.

N'hésitez pas à vous inscrire dès aujourd'hui en nous appelant au 01 40 84 97 11.

Kishida (c) G.Abegg

Satoru

L'exposition de Kishida et Satoru est ouverte du 29 avril au 10 juin !

2011-04-29T14:51:00.003+02:00

La Maison des Arts organise une exposition de grande ampleur présentant les œuvres de deux artistes d’origine japonaise : Kishida et Satoru.

Ceux-ci occuperont largement les différents espaces du lieu, intérieurs et extérieurs.

Les sculptures monumentales en acier peint de Kishida trouveront dans le jardin, un espace à leur mesure. Assemblages de plaques d’acier peint et patiné, elles conjuguent les influences orientales et occidentales. Bien que résolument abstraites, leur forme ovoïde évoque un univers en gestation, une présence mystérieuse traversée par l’air et la lumière. La monumentalité de certaines pièces n’exclut ni la délicatesse des détails ni une dimension humaniste.

L’œuvre protéiforme de Satoru (à qui un musée est dédié au Japon) occupera l’intérieur du lieu. L’artiste, essentiellement connu pour ses installations monumentales dans les parcs du monde entier, présentera à Châtillon tableaux, sculptures et maquettes témoignant de ses recherches constructivistes. Organisé avec un sens aigu du détail, la plus grande rigueur et parfois un certain minimalisme, le travail de Satoru est héritier de l’esthétique ancestrale japonaise et transmet la discrétion plastique de cette culture où tout s’éprouve de l’intérieur.

Bien que formellement différentes, les œuvres exposées témoignent, chacune à leur façon, de la quête d’une harmonie entre l’art et l’environnement.

A l'occasion de cette exposition, la Maison des Arts et la Ville de Châtillon ont édité deux catalogues préfacés par le critique d'art Gérard Xuriguera.

En préparation...

2011-04-20T15:21:00.001+02:00

L'exposition de Kishida et Satoru est en cours de montage, elle occupera aussi bien le jardin que les salles de la Maison des Arts.

Nous vous donnons rendez vous à partir du 29 avril pour découvrir les oeuvres des deux artistes!

Les enfants de Soulas!

2011-03-24T12:14:00.002+01:00

Observer, imaginer, transformer.
Les enfants des écoles élémentaires de Châtillon se sont amusés à inventer un nouveau personnage à ajouter à la famille Soulas.

Ainsi "La fille de la fleuriste" est heureuse de vous annoncer la naissance du (des) petit(s) dernier(s) :

"Le fils de la fleuriste" par les enfants
de la classe de Mme Boudjeli - école Langevin-Wallon

Rappel: l'exposition de Philippe Soulas "Fleuritudes" est ouverte jusqu'au 3 avril 2011, tous les jours sauf le lundi, de 14h à 18h.

Philippe Soulas "Fleuritudes"

2011-03-06T10:34:00.027+01:00

Exposition ouverte au public du dimanche 6 mars au dimanche 3 avril 2011

Horaires: de 14h à 18h tous les jours sauf le lundi.

Ph. Soulas - Hamburger de fête

"Les floralies de Philippe Soulas"

Rien n’est périssable en ce bas monde : ni les traits d’esprit, ni les traits à l’encre. Tout est recyclé parfois pour le meilleur mais souvent pour le pire. Désormais, Soulas plante des fleurs éternelles dans ses tableaux. Extravagance de l’artiste : cette floraison, attrape notre regard et anime le sujet. Ce nouveau chapitre atteste d’une démarche profonde et authentique qui attise nos sentiments et nous met en joie.

Au début est la griffe. Nos travers et les indignations de l’auteur se conjuguent pour tout dire en un dessin de presse. C’est l’œuvre de Soulas connue et reconnue dans les journaux et magazines : de Libération à Siné hebdo en passant par Stratégies et Vigousse. Ses dessins sont publiés dans de nombreux livres thématiques et exposés dans des galeries et centres d’art.

Après ces années passées à nous surprendre, à nous égratigner d’un coup de plume, Philippe Soulas prend les pinceaux pour se jouer des couleurs et des sujets en compositions sur toile. Il triture la matière et nous brosse ses figures et paysages d’un univers intime, profond et vif. La densité des couleurs, l’harmonie des tons et des traits concourent à produite une véritable peinture originale. Nous sommes dans la découverte mais l’écriture se reconnait et le style s’affirme toujours. Il assemble les toiles célèbres des maîtres dans un grand Beaubourg sur toile : hommage et détournement. De petits formats imprimés dans la presse, il est ainsi passé au tableau. Le besoin et le courage sont à la hauteur du résultat inattendu pour certains sur un tel territoire.

Mais cela ne suffit pas, Soulas veut faire apparaître le sujet et, de l’image, passer au volume ; conquête de la troisième dimension. Le sujet devient objet ! C’est ce qui arrive quand il saisit sa scie à chantourner. Les plaques de bois se juxtaposent, la lumière joue sur les surfaces. La peinture reste, l’esprit aussi. Ces bois sont beaux, émouvants, hurlants. L’artiste aurait pu se contenter de l’exploit mais rien ne peut satisfaire son besoin de tenter à nouveau l’aventure.

Ph. Soulas - Guillerette jardinière

Le Jardinier cynique prend un malin plaisir à semer des graines de conscience dans ses œuvres. De cette idée germent mille fleurs qui excitent les sujets et les thèmes. Mais l’homme pressé qu’il est – par habitude de répondre du jour au lendemain à l’actualité – se met à repiquer directement les fleurs dans ses toiles. Cela fait surgir le motif et naître le mouvement. Les volumes partent à la conquête de l’espace. On s’amuse de l’effet produit ; tout cela s’entrechoque pour réveiller nos sourires. Les fleurs, périssables par nature, sont fixées dans la composition pour défier le temps. L’arrosage automatique des idées singulières de l’œuvre et la qualité picturale en assurent la sauvegarde.

Avec les floralies de Philippe Soulas, nous avons le florilège de ce qu’il a commis et de ce qu’il produira encore dans son jardin extraordinaire. Le chemin parcouru est déjà long mais les étapes en sont toujours surprenantes. Attendons-nous à célébrer encore longtemps l’artiste, poète et provocateur ! L’hommage à lui rendre doit se faire simplement, d’un coup d’œil ou d’un regard plus attentif, mais surtout sans fleur ni couronne.

Olivier Delhoume

Accrochage!

2011-02-14T10:00:00.010+01:00

L'exposition des photographies d'Ayako Takaïshi est terminée.
Nous fermons nos portes au public pour quelque temps et vous donnons rendez-vous dès le dimanche 6 mars 2011 pour l'ouverture de "Fleuritudes", la jubilatoire exposition des oeuvres de Philippe Soulas.

A très bientôt!

Ph. Soulas "L'exhibitionniste"

L'exposition d'Ayako Takaïshi se poursuit

2011-01-26T11:21:00.003+01:00

Il vous reste un peu plus de deux semaines pour profiter de l'exposition des photographies d'Ayako Takaïshi.

Alix Saint-Martin, sur le site "Vallée culture", propose un autre regard sur le travail de l'artiste.

" Ayako Takaïshi ou la quintessence du motif "

Les " replis cachés de la nature " affleurent dans les photographies de Takaïshi dont l’esthétique aussi exigeante qu’une exquise politesse, maquille solitude et mélancolie. Le style de cette artiste japonaise est souverainement balancé, harmonieux, confrontant le clair et l’obscur, le net et le flou, pour en faire des sujets à part entière à l’instar de la lumière en peinture. À l’affirmation du vivant (personnage, animal) répond ici l’objet, vie silencieuse. À la promesse d’espoir, branches bourgeonnantes au premier plan, le photographe oppose la dureté d’un mur sans ouvertures, sinon closes, fermant le champ visuel. Intériorité et méditation guident l’objectif de Takaïshi qui délivre la densité de l’espace ouvert ou huis clos, paysage champêtre, urbain ou scène de vie quotidienne. Longueur de temps, minutie, délicatesse de la vision… appartiennent à ce style d’image qui cherche la juste mesure pour dire le mystère de la vie.

[Lire l'article à son emplacement d'origine]

Exposition ouverte du mardi au dimanche de 14h à 18h jusqu'au 13 février 2011.
Entrée libre.

Vernissage de l'exposition d'Ayako Takaïshi

2011-01-11T17:58:00.000+01:00

L'exposition des photographies d'Ayako Takaïshi sera inaugurée ce soir.

En attendant de découvrir ce très bel ensemble, voici une présentation de l'artiste par Gérard Xuriguera:

« Il n’y a pas grand bien à penser des civilisations qui n’ont pas de peinture de paysage » souligne Yves Bonnefoy. Ayako Takaïshi n’a pas eu besoin de se pénétrer de ce constat pour transposer dans ses photos l’esprit de ses paysages, de ses vues, citadines ou de ses intérieurs.

Discrètement marquées par ses origines, sa prédation visuelle l’a portée d’instinct vers l’espace ouvert, ses évidences et surtout ses retranchements. Car ce qu’elle traque principalement, ce sont les replis cachés de la nature, par conséquent non pas le motif, mais l’idée du motif, en somme sa quintessence. Et les séquences qu’elle distingue et passe au tamis de sa perfection, apparaissent alors comme des confidences, irriguées par la même pente méditative semée de mélancolie.

La beauté d’un ciel tourmenté, l’évocation d’un horizon borné par une simple ligne, d’un périmètre boisé sous une lumière ombré, les lacis d’une rivière alanguie paré de reflets vaporeux, sinon des collines noyées dans la brume du soir, la saisie d’une lande désertique, l’envol ondoyant d’une mouette ou d’un oiseau picorant dans la neige, des murs fatigués chargés de mémoire, des bourgeonnement printaniers, d’humbles objets arrachés à leur anonymat ou encore des pans de cités endormis… Nous parlent ici de la solitude habitée, et composent une rêverie plus champêtre qu’urbaine, qui ne nous tiens jamais à distance, en recréant un monde dans sa plénitude et son extrême retenue.

On ne s’attardera pas sur les savantes opérations mécaniques et mentales qui sous entendent la naissance de ces images sobrement décantées et traitées à l’argentique avant d’être finement retouchées, dans la mesure où prévalent avant tout leur pouvoir d’incarnation et leur densité intérieure.

Fruit d’un patient apprentissage du regard, harmonieuse et ordonnée, inquiète sans violence, la démarche d’Ayako Takaishi décline une indéniable présence.

A voir bientôt, l'exposition des photographies d'Ayako Takaïshi

2010-12-16T14:41:00.000+01:00

La saison de la Maison des Arts se poursuit avec l'ouverture prochaine de l'exposition d'Ayako Takaïshi.
En attendant 2011, nous vous souhaitons de très bonnes fêtes de fin d'année.

Ayako Takaïshi

"Confessions photographiques"

du 12 janvier au 13 février 2011

Fin de l'exposition Madeleine Grenier

2010-11-28T11:21:00.003+01:00

Printemps (1957)

Ce dimanche marque la fin de l'exposition rétrospective de Madeleine Grenier.

En une soixantaine d'oeuvres, nous avons tenté de retracer l'évolution de la peinture de cette artiste sensible et attachante.

De nombreux visiteurs ont témoigné de leur admiration pour son travail.
Une trentaine de classes des écoles de Châtillon ont bénéficié d'une visite animée.

Visite d'une classe de maternelle

L'exposition des oeuvres de Madeleine Grenier est ouverte ce 11 novembre.

2010-11-09T16:45:00.008+01:00

Ce week-end allongé est une belle occasion de voir (ou revoir) l'exposition Madeleine Grenier avant qu'elle ne se termine (le 28 novembre 2010).

Composition 1 (1975)

Hier soir, vernissage de l'exposition Madeleine Grenier "Rétrospective"

2010-10-06T17:11:00.006+02:00

L'exposition Madeleine Grenier "Rétrospective" a été inaugurée hier, en présence de Monsieur Alain Grenier, frère de l'artiste, de sa famille, de Lydia Harambourg (historienne, critique d'art et co-organisatrice de l'événement) et de leurs nombreux amis. Une belle soirée qui a permi, aux dires de beaucoup, de raviver le souvenir de l'artiste.

Nous vous attendons nombreux jusqu'au 28 novembre 2010, date de fin de l'exposition.

Le train (1958)

Sans titre (1982)

« Madeleine Grenier compte parmi ces artistes dont la discrétion les a tenu éloignés de la scène artistique parisienne en pleine effervescence, alors que les polémiques véhémentes qui opposaient à la fin des années quarante, les abstraits lyriques aux abstraits géométriques, divisaient les peintres en factions esthétiques face aux tenants d’une figuration régénérée. Le parcours de Madeleine Grenier aura été à l’image de celle qui portait sur les choses un regard d’intériorité et de secrète ferveur pour servir un art auquel elle a consacré sa vie, jusqu’à l’absolu d’une inaltérable et radieuse blancheur conquise tout au long d’un parcours inflexible et solitaire.

D’un double enseignement reçu à l’Académie André Lhote et à l’Académie Ranson auprès de Singier, elle a assimilé les bases d’un art qu’elle s’apprête à expérimenter seule, en totale indépendance. Ses grands dessins subjectifs, au fusain, témoignent d’un métier solide, tandis que ses premières peintures sont construites dans la couleur à partir d’un plan sans perspective : Marché 1952.

Une lecture de Joseph Conrad l’oriente sur une voie où la réalité se délite, laissant libre cours à la seule expression du peintre, captateur de souvenirs, de rêves qu’elle sublime.

L’air, les songes, qui renvoient aussi à Bachelard, attestent chez Madeleine d’un désir de lumière traduite par une matière labile, fugitive, mouvante. Elle aborde la monochromie, encore timidement, réalisant à la même époque des toiles hautes en couleurs, notamment en 1955, année où elle découvre la lumière méditerranéenne à Grimaud, et surtout à Simiane où elle travaillera chaque été. En délaissant progressivement la couleur, elle porte ses recherches sur la lumière captée par les formes quêtant un équilibre de la composition qui devient prioritaire.

La gamme chromatique d’une pâleur atténuant la lisibilité du sujet qui ne fera bientôt plus référence, ne joue pratiquement que sur l’organisation de la surface assaillie par des rythmes complexes, mais temporaires, car ne correspondant pas au tempérament profond de Madeleine, animée d’une émotion mémorisée et décantée. Une peinture du mal de l’âme à l’unisson de l’intensité existentielle qui trouve dans l’ascèse picturale une action compensatrice.

A cette époque, Madeleine fait sa première exposition à Paris Galerie Jacques Massol. Elle est régulièrement invitée aux Réalités Nouvelles, au Salon de Mai, au Salon d’Automne. Ses envois témoignent de sa dualité d’inspiration. Quant aux ciels de la Bretagne, leur figuration allusive est inspirée par la lecture et la poésie de son père dont elle accompagne de cinquante et un dessins à la plume son œuvre (Les Grèves).

C’est cette quête de l’impalpable qui prévaut, après 1965. Le lyrisme de Madeleine Grenier se donne libre cours. Le mystère est proportionnel à la fascination qu’exerce la lumière qui absorbe toute forme. Celle-ci se laisse encore matérialiser en 1972, et entre 1974 et 1975, avec l’évocation d’un horizon bleuté divisant la surface animée de touches simulant les nuages et l’écume. Mais à nouveau la nature se désagrège dans la lumière pour n’être plus qu’une pure vibration : Marine, Eclatement (1980).

L’absolu se résorbe dans un infini qui porte sa blancheur rédemptrice avant l’éblouissement suprême. »

D’après © Lydia Harambourg

Historienne Critique d’art

Correspondant de l’Institut, Académie des Beaux-Arts

Exposition Hervé Di Rosa "DIROSAFRICA"

2010-09-22T14:04:00.001+02:00

du 22 septembre au 12 novembre 2006

[Autour du monde]

Le monde est grand et beau et si propre et si lointain. Il est bleu, blanc, noir, et rouge et jaune, et vert et rose. La terre est vaste, et torride ou fertile, et bruyante ou calme, et déserts et forêts, et montagnes et mers. Les hommes voient les hommes à la télé, les écoutent à la radio, se croisent dans les villes, se retrouvent dans les aérogares. La terre tourne dans le sens inverse des avions qui rattrapent les heures. Les téléphones portables, les satellites,

Internet annulent les distances.

L'homme d'aujourd'hui est mondial. Le parler devient mondial. L'art devient mondial. Et à notre époque de mondialisation et libéralisme, Hervé Di Rosa va voir sous d'autres cieux comment le soleil s'y couche.

Il n'y va pas en colonialiste, ni en pilleur d'imageries locales, ni même en quêteur d'exotisme, mais en amoureux curieux de confronter son art à des techniques qu'il ne connaît pas, de se mettre à l'épreuve des autres et son estomac à celle des nourritures locales. Il se tire très bien de l'un et de l'autre. Il avale rat, serpent, chien, fotus de biche, escargots africain, agouti, crocodile, alcool de banane, galettes diverses, fruits inconnus, sauces ineffables et préparations étranges.

Ce n'est pas toujours bon, mais c'est parfois sublime. Parfois on aime, parfois on n'aime pas. Mais pourquoi aime-t-on ? Et pourquoi déteste-t-on ce que d'autres aiment ?

Quant à son travail, il le soumet au savoir faire traditionnel de l'atelier, et en se servant de techniques ancrées dans l'identité locale, il puise aux racines des cultures. Respectant scrupuleusement les matériaux, les méthodes de travail, calquant sa manière de faire sur la pratique transmise de génération en génération, il laisse son œuvre s'imprégner des saveurs d'ailleurs. Parfois violemment, parfois insidieusement.

Il réalise ainsi

1) des Dirosaicônesà Sofia, Bulgarie, 1992-1993

2) des peintures sur panneaux dans l'atelier d'Almigthy God à Kumasi, Ghana, 1993-1994

3) des appliqués à Porto-Novo, Bénin, 1995

4) des peintures sur peaux à Addis Abeba, Éthiopie

5) des estampes aux Mascareignes, 1996-1998

6) des laques incrustées de nacres à Binh Dùong, Vietnam, 1996-2000

7) des fresques à Patrimonio, Oletta, Corse, France, 1997-1998

8) des lithographies à La Havane, Cuba, 1999-2000

9) des baskets à Durban, Afrique du Sud, 1997-2000

10) des arbres de vie Mexico, Mexique, 2000-2004

11) des bronzes et des panneaux sculptés à Foumban, Cameroun, 2003-en cours

12) des peintures et sculptures en résine à Miami, USA, 2004-en cours

13) des voodu flags à Haïti, 2003- en cours

14) des verres peints en Tunisie, 2006.

DirosAfrica-Chatillon 2006 présente les étapes africaines de Autour du Monde de Hervé Di Rosa, Ghana, Bénin, Éthiopie, Afrique du Sud et Cameroun et la toute première tentative tunisienne.

Jean Seisser

Exposition Bernard Gueguen "Sursauts"

2010-09-10T15:17:00.006+02:00

du 10 au 19 septembre 2010

Salto Angel

"La sculpture scelle l'espace

La matière elle même est scellée, toujours dense,

caressée, déchiquetée, impénétrable

Je vois une ouverture qui se produit dans la matière

lorsqu’elle est à son état limite.

Etat limite de changement d'état.

Qu’il s’agisse de la plaque brute d’acier, de la motte

lourde de terre inerte, du fusain sec de noir.

Le métal bruyant, hurlant devient à son point de

fusion pâte rougeoyante, liquide magnifique,

fuyant et dangereux.

La terre glissante et trempée d’eau se sèche en boue

hérissée ou garde la trace luisante de la caresse.

Le fusain pas assez noir se pulvérise en un nuage

étincelant de poussière galactique.

Dans son mouvement de changement d’état,

de structure, d’apparence, la matière s’ouvre.

Et se referme en une fraction de lumière.

Dans un sursaut, elle se scelle, s’enchâsse en

elle-même. A nouveau elle retrouve sa densité

mais enrichie du souvenir.

Je sens dans la clé du mouvement une ouverture.

Dans l’espace des mains, du corps, la matière

mise en mouvement joue l’espace. Elle va au delà

du mouvement initial, le catalyse, le dépasse.

Elle va vers, s’ouvre.

Et stoppe le mouvement (au point du plus grand

mouvement ?). La matière qui s’arrête à ce point

là referme et scelle l’espace sur elle-même.

L’espace apparaît alors comme scellé par le

mouvement. Ce sursaut que connaît la matière

qui change d’état me traverse. Ce moment clé

du mouvement, point d’arrêt qui contient le

mouvement lui même, produit un écho en moi.

Il y a là comme un double enchâssement de

la matière en l’espace.

Peut être que la matière qui a connu le sursaut

et l’écho est à même de les produire directement

dans un regard.

La sculpture ouvre alors

l'espace"

Bernard Gueguen

Soleil de minuit

Vélite

Brassknuckles

Consulter le site internet de l'artiste

Exposition Ronel "Utopique épopée"

2010-03-15T14:21:00.009+01:00

Christophe Ronel est un voyageur et un peintre. Ses chemins de traverse ont des accents nomades, des sonorités de l’ailleurs, voyage dans l’espace et dans le temps, dans les mythes et dans la mémoire.

De ces contrées épicées, il se forge un univers fait de rencontres, de signes, de paysages, d’objets, de talismans glanés sur les routes d’Afrique ou d’Asie.

Mais c’est à l’atelier que la transgression a lieu ; c’est là que les voyages se déroulent et s’ordonnent de toile en toile. Il y échafaude dans chacune de petits mondes comme autant de scènes de théâtre, toujours colorées, toujours « dessinées », toujours accumulatives.

Metteur en scène, passeur, un peu chamane, colporteur de chimères, il manque de place pour tout exprimer.

Dans l’espace toujours trop étroit du tableau, il faut que le monde soit tracé dans sa totalité avec son lot de farces, de mascarades et d’envoûtements, un monde du dedans qui singe celui du dehors, le brise et le recompose, le complète, le rectifie et en propose, en somme, un impossible mais désirable reflet.

mars-avril 2010

Exposition de MaxB "Le Bateau de voyage"

2010-01-04T17:02:00.001+01:00

Depuis l’âge de 14 ans, MAX B consacre sa vie à l’art Surdoué du dessin et de la peinture, il se heurtera vite aux systèmes institutionnels et d’exclusions en enfermements, il ne vivra que pour et par la peinture.

Un sentiment d’urgence à vivre l’habitera et s’exprimera dans ses œuvres. La gestuelle en est le fondement mais se confronte toujours soit aux traits dans les cernés, soit aux ronds, carrés ou obliques dans la période récente.

"Agoraphobe-humaniste", de son "antre-atelier" il tisse une œuvre qui lui prend tout son temps. Pour lui, peindre c’est vivre, communiquer, voyager Il n’est pas coupé du monde, il est à coté, dans ses murs, ce qui lui permet d’œuvrer pour sa peinture.

janvier-février 2010

Exposition de Shahabuddin

2009-10-14T12:13:00.005+02:00

14 octobre-29 novembre 2009

Brillant élève de la « Fine Arts » de Dacca, Shahabuddin se trouve à la fin des années 70 précipité dans la lutte d’indépendance pour ce qui deviendra le Bangladesh, alors partie du Pakistan, pour la reconnaissance de l’identité Bengali et contre l’altération culturelle du frère ennemi.

Il va alors plonger dans ce combat dont il sera l’un des héros.

« Platoon fighter », il combattra pendant des mois, sans moyens, parfois à mains nues, s’infiltrant dans Dacca, se cachant jusque dans les égouts pour finalement libérer la ville avec quelques compagnons et planter le premier drapeau de l’indépendance dans la capitale.

Il n’en sortira pas indemne. Ayant côtoyé l’insupportable, corps déchirés, muscles saillants au paroxysme de l’effort, souffrance des populations en fuite… Et puis l’indépendance arrivée il redeviendra peintre ; il viendra en France suivre en 1974 les cours de l’école des Beaux-arts de Paris, ville où il réside depuis.

Il n’est donc pas étonnant que Shahabuddin peigne son histoire au travers de ces corps, ces animaux querelleurs, ces groupes en fuite, tous en mouvement – élément essentiel de ses peintures - vers quelque chose d’autre que l’artiste nous propose de découvrir et dont il nous donne quelques indications par ces tableaux des grandes figures de son pays qui sont Cheikh Mujibur Rahman, Gandhi ou Tagore, suggérant alors que intelligence et poésie peuvent remplacer les armes, l’humanité la barbarie.

Son art s’appuie sur une gestuelle contrôlée dans une composition foisonnante mais toujours organisée, où les couleurs se marient différemment selon le temps et les sujets, d’un Gandhi presque blanc aux scènes traditionnelles du Bangladesh hautes en couleurs.

Cette citation de Gérard Xuriguera conclura cette présentation :

« Cependant, au-delà des connotations idéologiques d’une histoire personnelle et des interprétations sémantiques, Shahabuddin nous parle d’un monde qui nous prend et nous tient, homme, terre, corps et esprit. Arrivé au faîte de son art, il n’en finit pas de dévoiler une œuvre à son image, farouchement indépendante, âpre et drue comme la vie, témoignage de tous les combats qui sont les âmes des corps ».

Exposition Francis Marshall "La Maison des Anges"

2009-09-19T14:18:00.013+02:00

du 19 au 27 septembre 2009

Dans le cadre du festival des Arts de la Rue, la Maison des Arts accueille Francis Marshall. Qui il y a plus de 10 ans nous avait présenté ses sculptures et tableaux qu'il avait coutume de décrire comme objets invendables. Membre à part entière de la confrérie de l’art brut, Francis Marshall revient nous titiller le cortex avec ses personnages plus sages, et ses tableaux plus osés. Il nous propose un voyage en train, en bateau, en sculptures et peintures, sur les chemins du quotidien. Si l’on s’arrête un moment pour observer ses œuvres et mettre de côté le problème de l’esthétique (vaste question) l’on découvre des scènes de vie parfaitement observées, des personnages exprimant une large gamme de sentiments, de la cruauté a la gentillesse de la perversité à la tendresse. Ils sont à l'image de leur créateur préférant la pluie au soleil, les chemins bourbeux aux plages de sable les cabanes aux hôtels luxueux; des brutes bruts. Ils nous parlent de la France profonde sans commisération, et même avec tendresse pour ces personnages du quotidien qu’à bien réfléchir l'on a pu être un jour.

Fais de pièces et matières usagées ils ont une seconde vie, plus ou moins longue. Art éphémère, art du quotidien, art hors les normes, cette exposition trouve un écho dans les déambulations du festival.

Pour faire vivre ses personnages, Francis Marshall nous donnera lecture des lettres de réclamations qu’ils ont fait parvenir aux différentes institutions.

Exposition Claude Bourguignon

2009-05-06T15:47:00.002+02:00

du 6 au 31 mai 2009

Claude Bourguignon occupera les cimaises de la Maison des Arts tout le mois de mai.

Artiste constructiviste connu, il nous propose un « cheminement » dans son œuvre depuis la figuration de sa jeunesse, puis de sa période cubiste… jusqu’à ce qu’il propose excellemment aujourd’hui, une abstraction géométrique rigoureuse où même la courbe n’a pas droit de cité. Droites carrés et parfois obliques s’ordonnent « constituant un graphisme précis, fait de plans clairement définis, parcouru d’une étrange et douce lumière, porteuse d’une sérénité poétique qui rompt la sérénité de l’écriture en lui conférant un ton singulier ».

C’est ce voyage dans son monde de la peinture qu’il propose de retracer ici, de façon à la fois rigoureuse et poétique comme l’est son œuvre.

Consultez le site internet de l'artiste

Carte blanche à Lydia Harambourg

2009-03-06T16:52:00.006+01:00

oeuvres de Agnès Bracquemond, Marie-Claude Bugeaud et Béatrice Casadesus
du 6 mars au 5 avril 2009

Carte blanche est donnée à Lydia Harambourg, historienne, critique d’art et correspondante de l’Institut. C’est donc elle qui a proposé ces trois artistes, trois femmes, dont une sculptrice, au parcours déjà long dans des lieux et musées de renom. Un ensemble d’une grande qualité, aux sensibilités concordantes qui, avec des approches différentes, met la créativité en évidence.

Lydia Harambourg a soutenu et soutient dans la Gazette de Drouot et d’autres publications les expositions de la Maison des Arts et a contribué à rendre celle-ci connue largement au-delà des limites de la ville.

A. Bracquemond

« Agnès Bracquemond sculpteur, Béatrice Casadesus et Marie-Claude Bugeaud, peintres. Trois femmes engagées dans leur langage, trois regards pour un dialogue avec l’espace et la lumière. Elles partagent une démarche pudique et fervente, la pratique du dessin dont la ligne instinctive ou directive, circonscrit l’essentiel de la forme. Avec le modelage Agnès Bracquemond cherche l’apesanteur du poids corporel dans son immatérialité. Pour elle, la sculpture est de l’ordre de l’impossibilité. Pour Béatrice Casadesus, la couleur piège la graduation lumineuse jusqu’à la saturation picturale et son inconsistance diaphane, dans un sujet qui joue sur l’apparition et la disparition. Tandis que Marie-Claude Bugeaud sollicite son geste pour deux pratiques complémentaires, la peinture et le collage dans la capture d’une illusoire réalité. Chez ces trois artistes, nous assistons à la mue de la sculpture comme de la peinture, dont la charge émotionnelle accompagne le mystère de la vie ».

Lydia Harambourg

B. Casadesus

M-C Bugeaud

Exposition d'Yvon Taillandier

2008-09-03T17:15:00.012+02:00

Yvon Taillandier invité à Châtillon

« Souvent je me suis réjoui de voir que des peintres amis et dont j’estimais l’œuvre exposaient à Châtillon. Aussi suis-je extrêmement heureux de présenter dans cette belle ville si accueillante aux oeuvres artistiques, ces témoignages de mon monde imaginaire que je nomme le « taillandier-land ».

Ce monde, que j’aime mieux désigner plus modestement comme un pays, contrairement à l’univers de la Bible, ne s’est pas créé en six jours, mais en plusieurs dizaines d’années.

Toutefois, dès ma jeunesse et plus précisément dès mon enfance les premiers éléments de ce pays, ses premières régions sont apparues. Je n’ai pas inventé d’océans, ni de fleuves, ni de rivières, ni mêmes de ruisseaux, tout d’abord. Mais, sur des eaux qui n’existaient pas encore dans mon imagination d’une façon précise, j’ai fait voguer des bateaux, quelques lignes sinueuses me suffisant pour évoquer des vagues.

D’ailleurs, signe du fait que l’élément sur quoi voguaient mes nacelles imaginaires m’importait peu, je me suis très vite intéressé aux passagers et plus précisément à leurs visages. Ma première exposition que j’ai faite alors que j’étais âgé de quinze ans, était une exposition de portraits, dont on pourra trouver quelques exemples dans cette exposition et qui n’ont pas été réexposé depuis.

Puis j’ai changé. Après avoir beaucoup dessiné, je me suis mis à beaucoup écrire et pour concilier écriture et dessin, je suis devenu critique d’art à « Connaissance des Arts » et à la revue « Vingtième Siècle ». Exercice passionnant, mais si difficile qu’après plusieurs années de labeur au cours desquelles j’ai eu la chance et la joie de rencontrer Giacometti et Miro et de devenir leur ami, j’ai fini par reprendre mon crayon de dessinateur auquel j’ai ajouté les ciseaux du sculpteur sur carton construisant des « monuments de carton » et les pinceaux du peintre occupé à traduire en tableaux les textes où j’avais décrit la croissance d’une boule qui, à l’air libre, était devenue peu à peu un « trocébibi », c'est-à-dire quelqu’un comme nous sommes presque tous ; un tronc surmonté d’une tête et muni de deux bras et de deux jambes.

Mais cet individu m’a paru trop simple. Je lui ai intimé de laisser grossir ses fesses. Celles-ci sont devenues un second tronc, mais horizontal. Pour porter ce second tronc, j’ai fait pousser deux jambes s’ajoutant aux deux premières. Certains voyant ce quadrupède ont parlé de « centaure ». Je leur ai donné raison, mais en leur faisant remarquer qu’entre mon « centaure » et celui inventé et rendu célèbre par les grecs, il y avait une importante différence. Le centaure des grecs unissait deux genres, le genre humain et, par ses quatre membres déambulatoires empruntés au cheval, l’animalité. Pour ce qui est de mon « centaure », il est tout entier humain ; tronc humain en vertical, tronc humain en horizontal, jambes et pieds humains et non point jambes et pieds de cheval. Je suis du temps où le long martyr des chevaux, pour employer une expression d’Anatole France, s’est terminé. Pour un peu mon « centaure » aurait des roues comme une bicyclette, une motocyclette ou une automobile. Mais toute libre que soit mon imagination, je ne l’ai pas laissé courir jusque là.

Je me suis contenté d’augmenter mon personnage augmentant le nombre de ses pieds, de ses jambes et de ses troncs et le baptisant « centame », c'est-à-dire « centaure amélioré ».

J’ai fait monter les uns sur les autres mes centaures, très améliorés au plus bas, et de moins en moins jambés à mesure qu’ils s’élèvent pour former ensemble une pyramide.

Pendant des années, j’ai pensé que la forme pyramidale était la meilleure. Mais aujourd’hui, à mon avis plus raisonnablement, je suppose que c’est le rectangle. Nous vivons entourés de rectangles. Les pièces où nous menons notre existence sont presque toujours des prismes rectangulaires. Le rectangle est la forme la plus fréquente de nos portes et fenêtres.

Il s’en suit que je m’efforce de donner à mes compositions une forme qui réitère le rectangle de la toile ou du papier. Mais cette forme ne doit pas être géométrique. Il faut seulement qu’elle imite le tracé géométrique du support, qu’elle réitère en plus petit et en humanisé.

Faire un rectangle et d’autres figures qui le complètent en mettant en œuvre des personnages. Mes « taillandier-landais » s’y prêtent facilement. Pour humaniser le haut du rectangle, je relie deux taillandier-landais debout au moyen d’un tube associatif horizontal qui part du crâne du premier et aboutit au crâne du second. Il m’arrive aussi de demander à l’un de mes personnages de tirer la langue. J’oblige cette langue à grandir démesurément, à descendre jusqu’aux pieds du tireur de langue, à passer sous ses organes porteurs et je décide qu’il s’agit d’un tapis volant. Pour qu’on comprenne bien qu’il s’agit d’un tapis volant, il m’arrive de dessiner au dessous, au bas de la page un aéroplane ou un hélicoptère. En supprimant le noir dans la coloration que j’emploie, je rends celle-ci légère et bien adaptée à l’allégresse que je veux exprimer et communiquer à quiconque regarde mes tableaux.

YVON TAILLANDIER

Mars 2008

septembre-novembre 2008

Yvon Taillandier dans les salles de la Maison des Arts

Exposition Victor Laks "Panoramas"

2008-05-07T10:46:00.000+02:00

du 7 mai au 1er juin 2008

Cette peinture peut apparaître comme un panorama explorant une large étendue d’espace et de temps et, aussi bien, la richesse intérieure de chaque œuvre.

Il s’agit, en effet, de recherches sur la naissance des formes au gré de leurs errances et de leurs découvertes. En des expériences toujours renouvelées, l’imaginaire se met à l’œuvre comme il se met à l’épreuve - alors qu’une pensée hasarde part en reconnaissance.

Une histoire intérieure se raconte qui est celle d’un jamais vu où le parcours de la création cherche, dans l’étonnement, un visible à survenir dans l’invisible. Ne serait-on pas ainsi au cœur du phénomène artistique qui nous apprend à mieux voir, c'est-à-dire à mieux vivre ?

Exposition Riccardo Licata/Vincenzo Arena "Espaces confrontés"

2008-01-18T16:19:00.004+01:00

du 18 janvier au 17 février 2008

La Maison des Arts a le plaisir d’accueillir deux peintres italiens ayant choisi de vivre à Paris, exposant dans de nombreux pays et qui, au cours d’une visite en ce lieu ont eu envie d’y confronter leur travail. Du signe gravé à l’abstraction géométrique peinte, l’exposition propose un parcours dans deux mondes au premier abord fort éloignés avec pour objectif d’établir une résonance.

R. Licata

V. Arena

Vénitien et Romain d’origine, ils commencent tous deux la peinture en 1950. Peintres abstraits d’abord, ils vont rapidement sentir le besoin d’évoluer, de trouver leur mode d’expression. Licata, extraverti, va se passionner pour tous les arts - poésie, littérature philosophie, cinéma, musique - qui constituent autant de sources d’inspiration qu’il voudra traduire dans son œuvre. Arena va entamer un parcours de recherche personnel. Tous deux vont par des rencontres importantes évoluer vers leur art actuel.

Licata va, surtout grâce à la musique, aller vers son langage actuel que ses rencontres avec Friedlander, Hayter et Goetz en 1957 puis avec Severini (il sera son assistant à Paris avant d(enseigner aux beaux-arts de 1961 à 1995) vont finir de mettre en place.

Arena rencontrera des artistes tels Michel Seuphor, Luc Peire, Mattia Romano Zanotti, Leo Breuer, Nino Calos,Ivan Contreras-Brunet et Louis Deledicq au cours d(une exposition à la galerie COMO en 1968. En 1972 une étape décisive est sa rencontre avec Jean Guiraud qui l(amène à intégrer les modèles mathématiques dans ses œuvres constructivistes.

V. Arena

R. Licata

Exposition d'Alexeï Vassiliev

2007-10-30T17:40:00.004+01:00

La Maison des Arts a le plaisir de présenter les images insolites d’Alexeï Vassiliev, photographe plasticien russe vivant en France.

Les œuvres réunies dans cette exposition ont été réalisées entre 2002 et 2007.

Pendant cinq ans cet artiste atypique s’est totalement immergé dans une recherche en profondeur sur le flou qui l’a amené peu à peu à s’approprier de façon singulière cette technique photographique et à revendiquer la notion paradoxale de « flou précis » pour définir son travail.

Surprenant ses personnages dans des lieux baignés de lumière artificielle qui brouille toute notion de temps et de perspective, Alexeï Vassiliev nous entraîne dans son univers poétique, perturbant, souvent aux confins de l’onirique et du réel, frôlant parfois l’abstraction, mais suggérant toujours l’essence même des êtres furtifs qui le peuplent ou le traversent.

L’étrangeté de ce monde tient aussi à la gamme chromatique à laquelle Alexeï Vassiliev n’hésite pas à recourir et qui oscille entre des tons crépusculaires presque nocturnes et l’explosion de couleurs crues, solaires, audacieuses presque impertinentes.

Curieusement les fondus sombres n’engendrent aucune tristesse et les teintes chatoyantes ne font naître aucune gaieté. Les émotions que les images énigmatiques d’Alexeï Vassiliev provoquent en nous sont de toute autre nature.

Elles semblent s’échapper de notre mémoire secrète pour nous révéler des souvenirs inconnus. Elles surgissent aussi du plus profond de notre intuition et réveillent d’indéfinissables prémonitions.

L'exposition regroupe des photographies faisant partie de 5 séries :

"Des-Apparitions", "Instants Troublés", "Jazz", "2052" et "Mnemonikos".

octobre-novembre 2007

Exposition Noël Pasquier "Bleu et caetera"

2007-09-29T11:32:00.001+02:00

Noël Pasquier « Bleu et caetera »

28 septembre – 28 octobre 2007

Au moment où se déroule la FIAC, Noël Pasquier expose à la Maison des Arts de Châtillon.

L’œuvre prolifique de Noël Pasquier n’est pas, dispersion, mais éclosion de forces concomitantes au sein d’une activité de peintre menée sans failles depuis quarante ans. Les peintures réunies ici sont l’expression d’une vitalité particulière dont l’expression intériorisée est à chercher en partie dans une pratique musicale, partagée avec son ami Serge Gainsbourg au temps de la Cité des Arts. Cette proximité a laissé des traces sensibles dans sa peinture, telles ses empreintes à rebours d’une mémoire en prise sur une œuvre toujours reconduite. Il y a d’abord le rythme, qui induit chaque composition, indissociable d’une dynamique qui amènera l’artiste à s’éloigner du plan et à sortir du mur pour s’emparer différemment de l’espace. L’art monumental a ses lois qui lui font appréhender la couleur, la lumière, le mouvement pour une exploration des matériaux et des techniques dans une approche protéiforme dont témoignera le Festival d’art total créé par Pasquier en 1967. Ses activités, déployées au sein d’une hiérarchie qu’il bouscule, dans sa volonté de renouer avec l’esprit de la Renaissance, sont celles d’un créateur engagé. Rêver d’embellir notre environnement quotidien, revient à imaginer la peinture autrement.

Sa longue série de commandes publiques réalisées à partir des années soixante-dix démontre clairement une démarche dont les étapes affrontent les contraintes, interrogent les possibles solutions. Son travail passe par des maquettes, dont les séquences qui se laissent déchiffrer telles des portées musicales, nous permettent de suivre le projet jusqu’à sa phase terminale. On y lit l’origine de son travail modulaire où l’assemblage des éléments offerts à une constante métamorphose interroge les formes géométriques pour fondre son langage.

Dans un déploiement formel où le geste a sa part identitaire, Pasquier est passé insensiblement de la figuration allusive à l’abstraction. Sans nier la part dévolue au cubisme auquel il a garde de ne pas s’attarder, Pasquier se constitue un répertoire de formes simples, rectilignes ou cursives, dont l’efficacité est redevable autant à son émotion gestuelle qu’à une mémoire sérielle en prise sur une expérience corporelle.

Lentement mûri, réfléchi, médité, l’œuvre s’est imposé grâce à une inventivité qui lui a fait expérimenter la performance publique au centre Pompidou, à l’Espace Cardin, à Sciences Po.

Au commencement était la peinture. Pasquier ne la renie jamais. Elle est à l’origine de tous ses travaux, et l’accompagne tout au long de ses expérimentations, qu’il s’agisse des carrés de papiers peints découpés et peints aux carreaux travaillés sur verre émaillé, destinés aux projections lumineuses, aux plaques et aux totems en lave émaillée qui se retrouvent dans les tapisseries d’Aubusson, dans les sculptures. Chaque installation se nourrit des acquis plastiques précédents. Leurs interférences fécondent le lyrisme de son geste en osmose avec la matière, une sève dont son pinceau épand sensuellement les signes volontairement inscrits pour une saisie visuelle qui transmet à sa peinture toute l’intimité de sa chair.

La peinture tisse son histoire, met au jour les émotions tapies dans l’attente de consonances ou de dissonances tout aussi subtiles. Par rafales, les forces primordiales émergent des formes franches, élémentaires, dans leur évidence plastique et chromatique. La couleur, pure, reste à l’écoute des vagues internes, des soubresauts sauvages, des fulgurances sonores, qu’endigue une rigueur, jamais prise en défaut.

La peinture de Pasquier puise son ferment dans la poésie de la couleur en convoquant la liberté. La liberté, maître mot d’un engagement ouvert sur l’avenir. La couleur vibre de la lumière et du mouvement, s’incarne dans ces formes superposées, fractionnées, qui ondulent et se cabrent, s’arrondissent, se rompent, suivant un schéma riche en significations pour affirmer une création dans laquelle la forme, la matière, la lumière, la couleur mettent en abyme le sujet.

L’acte jubilatoire de Pasquier est porté par une intuition infaillible. Entre la pensée et les sens, la raison et l’instinct qui le fait incliner vers une couleur – un bleu emblématique, au point que l’on pourrait parler d’un bleu Pasquier, bleu unitaire, bleu édénique et de l’extase, celui de la joie originelle.

Un bémol est apporté dans ce classicisme aux frontières de l’onirisme, celui de la récente série en noir majeur sur papier. Le temps impose sa battue dont Pasquier n’omet pas les exigences. Les règles de l’équilibre n’ont pas été profanées. La toile est une aire où se livre un combat loyal entre l’audace et la permanence d’une tradition, toujours ouverte à la transposition, pour questionner la vie. Noël Pasquier s’ouvre à toutes les interrogations, porté par une intériorité dont il tente la transfiguration par la forme et la couleur.

Lydia Harambourg - Mai 2007

Vernissage de l'exposition de Noël Pasquier

2007-09-28T11:44:00.008+02:00

Le vernissage de l'exposition Noël Pasquier "Bleu et caetera" a eu lieu hier soir en présence de Monsieur le Maire, de l'artiste et de ses invités.

Exposition Coskun "Parcours d'artiste"

2007-04-05T14:53:00.001+02:00

La Maison des Arts qui a exposé les sculptures de Coskun en 1998 et en 2000, lui offre cette fois-ci, la possibilité de présenter son œuvre de façon inédite, la ville de Châtillon souligne ainsi sa volonté de soutenir un artiste majeur de la scène artistique française et internationale.

Du 06 avril au 27 mai 2007, Coskun crée l’événement en exposant dans plusieurs lieux.

Ses sculptures et son œuvre graphique sont présentées à la Maison des Arts et dans les centres culturels (médiathèque, conservatoire, théâtre), tandis que de grands dessins imprimés sur calicots sont accrochés en centre ville.

L’œuvre graphique de Coskun s’octroie une présence à la fois plus importante et inédite dans les salles de la Maison des Arts, notamment avec la présentation de plusieurs livres d’artistes réalisés avec des auteurs contemporains dont l’écrivain Fernando Arrabal.

Qu’il dessine à l’encre de chine et au brou de noix, sa pensée se libère autant sur les feuilles de papier que dans les entailles de la matière quand il sculpte à la tronçonneuse.

Dans les salles où sont également présentées de nombreuses sculptures, la cohérence de l’accrochage révèle l’unité de l’œuvre de Coskun indépendamment des médiums d’expression qu’il utilise.

A quelques pas des salons, le jardin bucolique de la Maison des arts est transformé par la présence de la série des « Suspendus ». Tels des dessins accrochés aux arbres, le visiteur découvre un album de matière dont se dotent la végétation comme autant de parures.

L’exposition se prolonge dans les lieux culturels ; la Médiathèque, le Conservatoire et le Théâtre qui accueillent son œuvre monumental permet de faire se rencontrer lecteurs et musiciens avec l’expression artistique d’un artiste contemporain.

Enfin, un événement inédit se crée dans la ville ; une installation de dessins originaux imprimés sur calicots transforme le paysage urbain. Le parcours s’enchaîne dans les rues de Châtillon, du centre historique aux lieux culturels.

Coskun, né en Anatolie en 1950, vit et travaille en région parisienne depuis 1980.

Exposition Léon et Irène Zack

2007-01-19T16:00:00.014+01:00

Léon Zack fait partie de ces peintres qui ont frôlé la pleine reconnaissance de leur art et dont le décès (1980) fait que l’on perd peu à peu la trace de leur œuvre. Sa famille et pour quelque temps la Maison des Arts vont essayer d’arrêter l’oubli.

Comme certains artistes de cette génération (1892-1980) Léon Zack est passé de la figuration à l’abstraction, après la guerre, d’abord géométrique puis lyrique, d’abord fortement « matièrée » pour le devenir de moins en moins, la toile elle-même valant couleur à la fin de sa vie. Mais plus que par une approche technique, l’œuvre de Léon Zack vaut par sa spiritualité, dans sa conception philosophique de l’art, dans ses liens avec l’art sacré.

De nombreuses galeries l’ont présenté tout au long de sa vie ; le Musée d’Art Moderne de Paris lui consacre une exposition en 1976. Il sera présent à la Fiac avant et après sa mort.

C’est un « extrait » de son œuvre sur 30 ans que sa fille Irène Zack nous propose du travail de son père, accompagnant de ses sculptures sur pierre la présentation des peintures de Léon Zack, dont elle partage la philosophie esthétique.

janvier/mars 2007

Exposition Xavier "Promenades"

2006-04-05T15:44:00.003+02:00

La Maison des Arts de Châtillon propose une promenade à travers les œuvres récentes de Xavier.

Cet artiste atypique et indépendant travaille par séries thématiques.

Le parcours de cette exposition permettra de découvrir :

La mystérieuse série dite du « Crâne du cyclope », sortie des profondeurs de la mythologie méditerranéenne avec la complicité d’Andrée Chedid.

La spectaculaire série dite du « Grand théâtre », où la vie, la peinture et le spectacle ne font qu’un.

La minérale série dite de « Piedras en el camino » (Pierres sur le chemin),où les pierres parlent aux humains qui veulent bien entendre.

La pédestre série dite du « Promeneur », où tout peut arriver au détour du chemin, et enfin la succulente série dite « La Grande Cuisine », où les fourneaux vous réservent quelques

surprenantes saveurs.

avril/mai 2006

Exposition Cruz-Diez / Lozano "Couleur virtuelle / Volume réel"

2006-01-20T17:18:00.014+01:00

du 20 janvier au 12 mars 2006

Vue de l'installation

"La rencontre dans un même espace, de deux œuvres en principe antagoniques, est une expérience voulue sur la réalité, entreprise par Agueda Lozano et Carlos Cruz-Diez. À chaque instant dans la vie, nous subissons l'incidence de multiples et successives situations perceptives qui se superposent dans notre esprit. Nous arrivons à faire une lecture sélective et une qualification des objets, malgré son entourage parfois incohérent.

Nous proposons d’établir une relation de lecture volumétrique dans un espace destiné à l'immatériel. L'incidence de la lumière colorée sur la volumétrie des sculptures et son inclusion dans ces espaces, peuvent donner des résultats imprévus, et créer d'autres notions de lecture, tant des sculptures, que des environnements.

Dans l'art, des discours différents peuvent vivre ensemble. La condition c'est la qualité de la proposition et son apport d'ouverture à l'esprit."

Carlos Cruz-Diez

L'aléatoire du MONDE CHROMATIQUE

Le temps d'une rencontre-confrontation entre deux artistes, Carlos Cruz-Diez et Agueda Lozano, les murs de la Maison des Arts de Châtillon deviennent sujet d'un environnement chromatique qui modifie la perception de la dizaine de sculptures en acier qui s'y dresse.

Murs, sculptures, personnages, sont acteurs d'une expérience chromatique qui évolue dans l'espace. Dans l'art, les discours radicalement opposés cohabitent avec intérêt lorsque les propositions sont de qualité et contribuent à élargir nos frontières mentales et sensorielles. L'objectif des environnements chromo-interférents du Vénézuélien Cruz-Diez est de changer virtuellement de forme et de condition les murs, l'espace, les oeuvres d'art, objets et gens qui s'y trouvent.

A Châtillon, Cruz-Diez confronte la couleur virtuelle aux sculptures d'acier de la Mexicaine Agueda Lozano, des volumes qui subissent directement l'incidence de la lumière colorée, de ses inclusions et des ombres portées. Une situation qui se veut en constante mutation pour accueillir l'aléatoire et engendrer d'autres niveaux de lecture de cet environnement et de son contenu. Cette expérience, le Chromoprisme aléatoire, est proposée au public, pris comme sujet lorsqu'il traverse les espaces dont la couleur se modifie au gré du déplacement. Depuis ses premières Physiochromies et Chromo-interférences des années 60, Cruz-Diez est l'un des artistes cinétiques les plus connus d'Amérique latine. Il a bâti une œuvre sensorielle participative fondée sur le concept de "la couleur comme situation physique qui évolue dans l'espace sans aide de la forme, ni support". Des situations perceptives intéressantes et inédites qui qualifient différemment l'espace et les objets qui nous entourent.

Alix Saint-Martin 92 express - Hiver 2005-2006

A. Lozano

C. Cruz-Diez

Exposition Sadko "Les Philosophes"

2005-11-05T15:35:00.011+01:00

SADKO est avant tout poète.

Poète de l’espace dessiné à l’aide du trait.

Ses œuvres sont autant graphiques que sculptées. Pétries dans la cire, elles trouvent dans le bronze la finesse nécessaire à leur narration.

Elles projettent leurs ombres sur le mur, comme un double ou plutôt un dédoublement – une vison complémentaire, musicale.

Il en résulte une perception aérienne dans laquelle l’homme – réduit à sa véritable dimension, c'est-à-dire nécessairement petit – se trouve confronté à l’immensité de l’univers.

Un jeu d’équilibre-déséquilibre s’instaure entre l’homme et son environnement, mais sans danger, car les sentiments de paix et de sérénité dominent, prometteurs d’éternité.

Fragile et solide à la fois, ce petit personnage suit les trajectoires du destin qui se présente à lui, figuré par les ramures ou les racines des arbres.

Elles dessinent des courbes qui n’ont ni début ni fin, des cercles, des échelles dressées à la verticale, à la recherche d’une élévation libératrice.

Au sommet de l’échelle, les « ambassadeurs » sont assis dans l’expectative du message qu’il leur incombe de transmettre, sans que l’on sache réellement s’il s’agit d’un message du Ciel à la Terre ou à l’inverse, et plus probablement, de la Terre au Ciel.

Le Couple est présent lui aussi, hiératique dans sa pose. Les deux figures se tiennent côte à côte, visant ensemble l’horizon, le regard lointain, comme partageant leur écoute du Monde.

A travers cette forme inhabituelle de sculpture où le vide l’emporte sur le plein, où la transparence domine, SADKO explore un domaine poétique peu visité, qui lui appartient en propre et qui s’impose avec évidence…

Vladimir Hofmann

novembre/décembre 2005

"Voyage dans les paysages d'Alfred Manessier"

2005-03-11T14:34:00.002+01:00

Port nordique

11 mars – 8 mai 2005
Choix d’œuvres sur papier et sur toile, 1973 - 1993

Des marais de son enfance picarde à son ultime aquarelle crépusculaire peinte dans son petit atelier clamartois d’où il apercevait les lumières de Châtillon ; des sables de la baie de Somme à ceux du désert algérien ; des vignes espagnoles aux moissons de la Beauce ; du port d’Amsterdam aux rochers de Bréhat, entre autres… la Maison des Arts de Châtillon proposera (en liaison avec l’Association Alfred Manessier et les enfants du peintre Jean-Baptiste et Christine Manessier.) - à travers le choix d’œuvres essentiellement sur papier (aquarelles, lavis, pastels…) ponctué de quelques huiles sur toile significatives - un voyage inédit dans l’œuvre d’Alfred Manessier (1911-1993) sur le thème de certains paysages qu’il a particulièrement aimés, de nuit ou de jour, au rythme des saisons, puis transposés en peinture avec tant de bonheur au cours des vingt dernières années de sa vie.

Ghardaia

Originalité de l’exposition proposée

Chaque nouveau lieu d’exposition devrait remplir la mission de faire découvrir autrement les œuvres d’un artiste ou bien dévoiler un pan encore inconnu de son travail. Puisse cette exposition répondre à ce double objectif.

L’intimité des cinq pièces (et non des salles) de la Maison des Arts de Châtillon, si chaleureuse, nous a incité à regrouper, dans un ordre volontairement non chronologique, une quarantaine d’œuvres par affinité de cinq sources d’inspiration et en fonction justement de leur caractère intimiste pour la plupart.

La conception de cette présente exposition thématique d’un artiste souvent qualifié de « paysagiste abstrait » ou de « peintre de la couleur » a directement été inspirée par la poésie du lieu lui-même, de son cadre et de son environnement, si près de Paris, près d’un parc portant le nom de Matisse, au cœur d’un village construit autour de son église dont Manessier pouvait apercevoir le clocher depuis sa maison de Clamart où il a vécu à la fin de sa vie.

Verticale

Le visiteur accueilli dans une vraie maison aux multiples fenêtres donnant sur le jardin - et non pas dans un lieu culturel impersonnel, aseptisé et souvent trop directif – aura le privilège de pouvoir d’emblée découvrir librement une série d’esquisses et d’études sur papier au pastel ou à l’huile tout à fait inédite et surprenante, en liaison avec le paysage environnant : la banlieue sud de Paris… On entrera même dans la fraîcheur et le charme du dernier jardin du peintre qui aimait tant pratiquer le jardinage pour se détendre.

Manessier dans son ateleir de Clamart (1989)

Exposition Henri Prosi "Formes et structures"

2005-01-13T15:18:00.004+01:00

"Après des recherches menées sur le fractionnement des espaces, la série et la combinatoire, puis la périphérie, la bordure et le cadre, Henri Prosi s’est attaché aux formes angulaires et aux lignes brisées.

Toujours rigoureusement géométrique, son œuvre semble une exploration des possibilités de la peinture à partir de ses plus simples composants (couleurs, lignes). En jouant sur les variations, les limites, les tensions engendrées entre les espaces qu’il figure et déstabilise, Prosi élabore une sorte de poétique du geste géométrique."

Jean-Pierre Chambon

Henri PROSI est né en 1936 à Metz.

Depuis 1963, ses œuvres ont été exposées dans plus de 250 expositions particulières ou de groupe en France, Autriche, Allemagne, Japon, Belgique, Suède, Hollande et en Italie.

janvier/février 2005

Exposition "Humour en novembre, Rire en décembre"

2004-11-10T16:14:00.000+01:00

du 10 novembre au 12 décembre 2004

Nicoulaud "La Gourmandise"

La nouvelle exposition de la Maison des Arts réunit les dessins de 13 humoristes sévissant dans les journaux les plus divers, quotidiens ou hebdomadaires… de toutes tendances.

L’humour y règne en maître, parfois tendre, souvent acide, ayant pour but, outre la qualité du dessin et ses exigences, de rapidité, de concision (technique différente d’autres formes plastiques), de faire le plus souvent possible rire (en décembre) mais toujours réfléchir à notre société – d’où leur présence dans les différents médias. Poil à gratter nécessaire ils savent aussi se montrer tendres.

Réunis autour des dessins d’un des leurs aujourd’hui disparu, ils veulent encore une fois à cette occasion rire ensemble, et si possible avec nous des dessins, de Nicoulaud ou de ceux des autres ici présents.

Chaque dessinateur – dont vous connaissez pour la plupart les noms – présentera une quinzaine d’œuvres, extraits de leur savoir faire.

Ils ont pour nom Avoine, Barbe, Beytout, Blachon, Bridenne, Cardon, JY, Laville, Loup, Provoost, Soulas et Tignous.

« Très franchement, s'il y a une chose qui n’est pas gaie, c'est de parler d'humour, surtout quand il s'agit de celui des autres.

J'aurais pris la plume pour vous parler de mon humour à moi, il y a tant à en dire que j’aurais œuvré avec entrain et sérénité. Certains « bons amis » m'ont fait comprendre que ce serait malvenu.

Loup

Par leur faute personne ne saura donc qu'il y a 16 ans, un 13 Octobre, entre 10 heures 26 et 10 heures 27, j'ai été le meilleur dessinateur d'humour au Monde ! Peut-être pas pendant la minute entière, mais au moins pendant 20 secondes.

Je n'en dirai pas plus sur moi. Parler de mes amis? Oui, bien sûr, volontiers mais qu'en dire? Rien ne m'excite plus qu'un très mauvais dessin d’un très mauvais dessinateur. Là, devant ce prestigieux aréopage de l'humour, aucune excitation! C'est un très bon signe dira-t-on. La qualité est présente. Bravo!

Sûrement, mais que l'on pense à la victime: moi! L'esprit satirique ne consiste pas à passer de la pommade dans le dos. Il faut de bons gros défauts bien caricaturaux. C'est le grotesque, le moche, le laid, le salaud, l'imbécile qui payent dans notre art.

Et là, sur les murs de cette exposition, que du remarquable, que du génial, de quoi se flinguer!

Je n’en dirai plus un mot. Je vous laisse juge du spectacle ».

Signé X

Eric Provoost

Tignous

Exposition Michel Hénocq "Après l'été des fous"

2004-10-01T15:29:00.005+02:00

du 1er au 24 octobre 2004

Un jour, l'artiste a réalisé qu'il ne pouvait plus garder le pinceau posé sur ces rondeurs affriolantes; qu'il lui fallait s'ouvrir au monde; un monde moins avenant que celui sur lequel il s'était jusqu'alors attardé: sur les guerres, les génocides, les ostracismes de tous horizons. Affronter pour ce faire un problème éthique d'une gravité et d'une difficulté profondes. Car, s'il se voulait désormais témoin de son temps, Michel Hénocq refusait de se lancer dans une peinture-message: il lui fallait, en somme, trouver un chemin qui l'amènerait à peindre des « fables sans morale ».

Se sont alors succédés des individus un peu gros, statiques, avec dans les coins du tableau, de petits personnages placés au gré de l'imagination du peintre. Mais il a vite réalisé la futilité de cette démarche trop proche de la précédente. Et l'obligation pour lui, de « quitter» son monde pansu. Il s'est donc imposé des thèmes aléatoires; Michel Hénocq est parvenu à ce monde des interdits qui le fascinent et qu'il voulait « dénoncer » sans les « dire », il lui fut bientôt évident qu'en cette progression dans la gravité, s'il ne voulait pas tomber dans les scènes sanguinolentes ou tout à fait sinistres, il devait à tout prix préserver 1 'humour, la connotation dérisoire du tableau. Jusqu'à ce qu'enfin, il acquière la certitude d'avoir atteint le but qu'il traquait. Qu'il explore avec une délectation très masochiste.

Et, même si parfois le peintre, effrayé peut-être par tant de violence psychologique, quitte cette fin des temps pour revenir à des scènes plus théâtrales semble avoir basculé dans 'horreur.

Un « auteur » qui, pour la première fois, a conscience d'avoir atteint sa pleine maturité créatrice et éprouve un total bonheur de peindre. Qui sent une concordance absolue entre ce qu'il pense et ce qu'il peint. Qui a établi au cours de cette quête angoissée une parfaite harmonie dans les dissonances. Bref, un créateur qui a su, dans cet enfer qu'il pose sur la toile ou le papier, trouver son propre paradis.

Jeanine Rivais

Louise Barbu - "L'étendue de la pensée"

2004-04-24T16:46:00.002+02:00

du 24 avril au 23 mai 2004

« Une évidence s'impose. La peinture de Louise Barbu est immédiatement reconnaissable. Elle enchante, elle intrigue, elle questionne, peut-être même affole-t-elle, mais il y a une certitude, après sa rencontre, notre regard ne sera plus exactement le même sur les choses qui nous entourent.

L'intemporalité des formes liées à la logique intérieure qui préside à leur élaboration, scelle une vision intense et complexe.

Partie à ses débuts d'un songe floral, Louise Barbu parvient à force d'une ascèse artistique rare, à resserrer l'essentiel dans une démarche qui donne réalité à ce qui n'en a pas. Tout un jeu rythmique de protubérances scandées par les courbes ondulantes auxquelles répondent les arêtes cassantes de volumes en suspens. Une fluidité cernée par un dessin qui détermine non seulement l'image, mais donne une âme à ces formes évocatrices d'un sentiment, d'une surréalité.

Tour à tour guetteur et semeur, Louise Barbu s'interdit toute facilité. C'est naturellement, qu'un chant profond s'élève de ces apparitions débridées, utopiques qui relèvent d'une poésie vraie, loin de tout pittoresque extérieur, que seuls viennent prolonger les titres de ses tableaux.

Corps différents pour un cosmos différents, la peinture y gagne un autre langage. Une énergie formelle et colorée devenue lumière qui réinvente le monde ».

Lydia HARAMBOURG

(Préface du catalogue de l'exposition Louise Barbu, semeur d'irréels extraits, avril 1999)

Exposition Simone Picciotto "Après le déluge"

2004-03-03T15:12:00.004+01:00

Née au Caire, cette Italienne vit en France depuis de nombreuses années. De ce parcours, de ces influences, Simone Picciotto produit une œuvre alliant classicisme et baroque.

Classique en est la narration mettant en scène personnages et animaux acteurs d’un fabuleux théâtre, son théâtre, celui de la vie. Baroque en est le traitement plastique en ce qu’il a de plus hyperbolique. Sur des planches en bois assemblées parfois en diptyque, l’artiste travaille lentement et par strates, mélangeant peinture, supports divers et objets de récupération qui ajoutent leur propre mémoire au tableau.

Le tout s’orchestre en une harmonie colorée délicate où les formes fluides se plient, se déplient et s’entremêlent. Ainsi invité à se glisser dans l’œuvre, notre regard s’arrête sur chaque changement d’épaisseur, sur chaque matériau nouveau. Il embrasse alors un univers à la poésie subtile, émouvante et décalée.

mars/avril 2004

Exposition Pere Pagès "Nocturnes"

2004-01-05T14:53:00.000+01:00

Pere Pagès est Catalan. Il est né à Barcelone à la fin des années 30. Il s’est installé à Paris en 1969, recherchant là un espace de liberté face à l’oppression franquiste qui sévissait à cette époque, entre autres, sur l’intelligentsia espagnole à laquelle il appartenait.

Pour lui, la peinture sera un vecteur de contestation, un questionnement permanent sur le fonctionnement des mécanismes pervers qui polluent la société ; l'art est alors résistance ou, à tout le moins, l’expression d’un profond désarroi.

Ici, dans les « Nocturnes », le sujet est le même, l’oppression sociale qui frappe l’individu, l’homme ou animal, écrasé, dominé, asservi par son environnement. La couleur y est souvent monochromatique, jouant sur des nuances d’ocres chauds ou de noirs.

Pere Pagès, en revenant aux sources de sa peinture, fait preuve ici de la plénitude de son art.

janvier/février 2004

Yves Alcais "Un chercheur de passages"

2003-04-01T17:41:00.005+02:00

Globalement articulée en deux phases complémentaires, ce qui retient, d’emblée, dans la peinture d’Yves ALCAIS, c'est son unité, l’adéquation entre l’esprit et la matière, incarnés au départ par des surfaces ourlées de couleurs pures, induisant parfois l’idée de paysage, et bornées par des bandes horizontales, mais fondées avant tout sur un sentiment méditatif exempt de rapport direct au monde visible.

Puis, passant graduellement du dépouillement au foisonnement, et dans cette nouvelle appropriation spatiale on constate le pouvoir de fascination exercé par l’écrit sur certains artistes, ALCAIS dévide maintenant les variations d'un alphabet idéographique, sinon cryptographique, où son imaginaire travaille au diapason de ses fibres sensitives.

Par conséquent, après des années de maturation, si son œuvre a conservé en amont et en aval ses rubans monochromes stabilisateurs, le champ intermédiaire s'est désormais constellé d’une myriade de signes, de tirets ou de tâches en cascade, mais harmonieusement distribués à la manière d’un tressage interactif, où la transhumance du regard pourrait nous entraîner hors de ses marges, si elle n'était volontairement canalisée dans sa course par une pensée qui en commande le sens.

Toutefois, ces écritures en apesanteur savamment ramifiées, n’ont aucune parenté avec l’art mauresque ou les calligraphies orientales. Elles ne répondent qu’à elles-mêmes, en jouant de leurs seules tensions, de leurs écarts ou de leurs resserrements confidentielles ou martelées, transparentes ou sonores, ces partitions mouchetées ou criblées de signes discontinus, généralement inscrites sur des fonds clairs, développent conjointement un processus d’apparition/effacement du signe, où ne subsiste que la trace, c’est-à-dire, plus que son empreinte : son concept.

Néanmoins, dans cet au-delà de l’ordre visuel convenu, ALCAIS délivre essentiellement ce qu’il porte en lui depuis toujours, et stimule sa quête d’absolu. Et cette quête d’absolu s’apparie à la recherche du passage, en communiant avec Montaigne, qui écrivait : « Je ne cherche pas l’être, mais le passage de l’être ». Là se tient à la fois l’ambiguïté et l’unité d’un tel parcours.

Gérard XURIGUERA

Exposition Agueda Lozano "Géométrie fantastique"

2003-02-05T14:42:00.009+01:00

Agueda Lozano est née dans le nord du Mexique ; elle vit et travaille en France depuis 1971. De ses origines latino-américaines elle n’a gardé qu’une forte relation avec son pays. Son œuvre, elle, est une abstraction très personnelle et originale. De nombreux critiques ont parlé de l’œuvre d’A. Lozano ; comme les spectateurs ils n’ont pas toujours été d’accord. L’on peut simplement dire que son travail est marqué du sceau de l’exigence, de la rigueur intellectuelle.

De cela certains ont considéré son œuvre comme rigoriste, froide et distante ; d’autres y ont vu au contraire une subtile retenue dans l’expression des sentiments, un champ de réflexion permanent où les tensions les plus diverses s’entrechoquent.

Tous y ont vu quelque chose, aucun n’est resté indifférent.

N’est-ce pas là l’essentiel !

Critiques:

« Après une période figurative, Agueda Lozano commence à pénétrer l’univers rigoureux et austère de l’art géométrique (…) mais au contact de sa personnalité, douce bien que vigoureuse, la géométrie, sans cesser de l’être, commence à fleurir’ le beau désert des rectangles se peuple des formes organiques ».

Fernando Gamboa

« Pourquoi ne pas entrevoir dans ces multiples percées ou bordures sinueuses autant de tentatives d’ouverture vers un univers intime (…) illuminé par l’optimisme et la confiance en l’homme ».

Diehl

« La belle exilée, écartelée entre deux continents, deux pays qu’elle aime également, deux civilisations, deux manières de vivre et de penser, demeure bien une femme déchirée (…) et de cette déchirure toute son œuvre, aussi bien peinte que sculptée, porte la trace ».

Pierre Brisset

« Tension et déchirure sont les deux forces antagonistes qui, depuis toujours, déterminent l’art d’Agueda Lozano ».

Jacques Dopagne

« L’espace, le dépouillement, la couleur et la solitude d’un certain Mexique, mais surtout des affirmations esthétiques véritables, une haute valeur plastique et aussi une grande poésie picturale ».

Max-Pol Fouchet

février/mars 2003

"Paris-Dacca-Châtillon" 22 artistes bangladais

2002-09-27T16:59:00.002+02:00

Das

du 27 septembre au 27 octobre 2002

Quelle signification donner à la présence de ces 22 artistes bangladais à Châtillon ? Cela signifie premièrement que, au Bangladesh, pays connu pour tout autre chose que les Arts, il y a des artistes, et qu’ensuite ces artistes jouent un rôle important dans leur pays. A un moment où le Bangladesh a le choix entre « tendre la main ou se prendre en main » ils indiquent une voie, un modèle pour leurs compatriotes. Venant de différentes villes, différentes classes sociales ils utilisent souvent leur art pour dire : ils recherchent les racines d’un pays de 30 ans, célèbrent la création de ce pays, évoquent les problèmes sociaux existants. Certains se projettent dans l’abstraction et ils avancent vite, s’appuyant sur une solide formation technique.

Enfin, il y a Shahabuddin, peintre bangladais vivant en France, internationalement reconnu et qui a su faire la synthèse de ces différentes composantes asiatico-ethno-politico-personnelles.

Shahabuddin

Kibria

Kashem

Ahmed

Mansur

Chakma

Exposition de Franck Maïeu "Têtes à têtes"

2002-01-03T16:04:00.001+01:00

« Têtes à Têtes » ...

dans lesquels l’artiste n’est jamais absent. « Il aborde sa peinture comme un traité d’existence, entre désespoir quotidien, rage et ironie quotidiennes. Une manière de vivre la peinture comme une philosophie où l’artiste met en tensions un nombre réduit d’éléments distincts où les aspects plastiques renvoient toujours à l’existence. Une façon de faire le point, de s’en tenir à l’essentiel, de revendiquer des blancs et des silences et de reprendre en pinceau ce qui fonde un propose développé depuis plus de vingt ans : être actuel et prolonger l’œuvre des Bosch, Bruegel, Ensor, développer une œuvre picturale qui tient du conte philosophique, porter un regard critique sur le monde sans désespérer des énergies que confère la peinture ».

A.D.

janvier-février 2002

Exposition de Roger Van Rogger "Abstraction et mystique"

2000-09-28T16:36:00.013+02:00

C'est à la découverte de l'œuvre d'un peintre aujourd'hui décédé que cette exposition convie.

Si l'œuvre du peintre Roger Van Rogger n'est pas située sur la carte de l'art du XXe siècle, c'est tout simplement parce qu'il n'a jamais pu montrer son travail de son vivant. Il laisse en mourant trois mille œuvres faites dans le silence et la solitude. Toute son œuvre, par les moyens les plus simples et les plus classiques, peinture à l'huile sur toile de lin, exprime d'une façon moderne, actuelle, contemporaine, la recherche spirituelle de l'art; moyens simples mais peinture extrêmement savante.

Cette abstraction n'est ni formelle, ni géométrique, ni décorative, ni gestuelle. Elle est simplement le moyen d'exprimer des réalités profondes que l'art seul, et c'est là sa justification, doit amener à la surface. La matière est très présente car elle est le support de la recherche d'une spiritualité, mais elle ne s'impose pas en tant que telle.

Van Rogger n'est pas un "matiériste". Van Rogger est un coloriste au sens ancien du terme, c'est à dire que sa couleur est très travaillée, intégrée au tableau, sous-jacente parfois mais toujours efficace. On peut aussi parler du dessin et de la composition qui donnent à la toile sa structure, une structure très forte.

Toutes ces toiles frappent par leur diversité bien que l'unité de l'œuvre soit indéniable. C'est qu'elle repose sur la main de l'artiste et sur la finalité de chaque toile: une profondeur d'émotion certaine. Précisons que ce sont des toiles qu'il faut prendre le temps de regarder, plus encore de contempler. Car les voies sont si nouvelles qu'il faut laisser à notre sensibilité le temps de les découvrir et de s'y engager.

octobre-novembre 2000

Thomas Bacher - "Night and day"

2000-02-25T16:29:00.005+01:00

du 25 février au 9 avril 2000

L'oeuvre de Thomas Bacher prend racine dans la tradition la plus ancienne de la peinture américaine : la peinture de paysage; elle s'appuie aussi sur l'éclat et la jeunesse du Pop Art, elle renouvelle le courant hyperréaliste tout en en retournant le procédé.

Que nous donne à voir Thomas Bacher ? De superbes cartes postales américaines. Réalisées dans une technique très maîtrisée où il nous fait découvrir les deux faces de sa peinture. A la lumière, les qualités des matières phosphorescentes, le nouvel impressionnisme de sa technique poussée jusqu'à l'abstraction, les rapports entre les parties travaillées à l'acrylique phosphorescentes et les autres ... Dans le noir (parce qu'il s'agit de peinture à voir aussi dans le noir), la qualité des lumières, la précision des reflets qui s'associent. Les profondeurs. Cette magie des paysages éclairés. Les bruits et les mouvements que, dans un premier temps, on croit percevoir. Et puis ce silence, cette rêverie méditante, cette intériorité où il nous conduit, là où nous nous y attendions sans doute le moins.

Développant sa technique picturale à l'aide d'acryliques phosphorescents, Bacher donne aussi à voir d'étonnantes peintures. Abstraites .et matiéristes dans la lumière, elles révèlent peu à peu, dans le noir, à la manière d'un cliché à l'infrarouge qui saisirait l'esquisse sous l'oeuvre, les couches profondes de cette abstraction matiériste : d'étranges graffitis qui avec le temps, se métamorphosent lentement et révèlent d'autres couches, plus profondes, de la peinture.

Non content de nous montrer la peinture dans la lumière et dans le noir, sa matérialité et son immatérialité, ses changements de couleurs, le silence sous l'image du bruit, la figure sous l'abstraction, cet artiste, avec pour seul matériau ces acryliques phosphorescents, nous conduit à travers ses paysages et son abstraction matiériste dans le temps de la peinture, au coeur d'un espace mouvant et magique, fait de fascination et de méditation.

A de Wasseige

Exposition Victor Laks

1999-05-07T10:31:00.009+02:00

du 7 au 30 mai 1999

Dire que Victor Laks n'est pas un jeune peintre c'est aussi dire que pour beaucoup il n'est plus à présenter.

Après une expérience américaine, riche en événements et rencontres importantes, il revient en France en 1955 pour se lancer dans l'aventure de l'abstrait. Il n'oublie cependant rien de ses acquis. Il saura donner à son abstraction la rigueur qui est la sienne, pensant ses pulsions, organisant ce qui pourrait sembler chaos. L'abandon progressif de la couleur n'enlève rien à son oeuvre, construite sur l'exigence, la réflexion, et un certain mysticisme...

Ayant exposé aux USA d'abord, en France et à l'étranger ensuite, membre de salons importants, acheté par musées et institutions, présent dans de nombreuses collections particulières il présente à Châtillon une sélection d'oeuvres récentes à laquelle nous invitons le public dans un lieu mettant en lumière "l'invisible" toujours présent dans les oeuvres de Victor Laks.

Exposition Francis Marshall "Objets naufragés"

1999-01-22T14:08:00.002+01:00

22 janvier – 14 février 1999

Francis Marshall est un artiste singulier, que l'on peut, selon la définition que l'on retient, classer dans l'Art Brut où l'Art hors les Normes.

Ses sculptures sont des bourrages, des assemblages, des empilages, qui donnent vie à des personnages faits de matériaux récupérés au gré de la Seine, au gré des promenades, au gré des finances. Fabriqués avec des bas nylon, des sacs, de la paille, du crin, des bois morts où des bois usés, ils évoquent la vie, celle de l'enfance, de la France silencieuse, sans vernis, sans complaisance, mais toujours avec une très grande tendresse.

C'est cette tendresse, cette poésie - cachée derrière une « civilisation du déchet », comme le disait RAGON - qui est à découvrir, dans ces « Objets Naufragés » ou ces petits tableaux peints sur des bois flottés.

F. Marshall poursuit sa route, fabricant d'objets invendables (selon ses propres termes). Après la Fabuloserie, la Halle Saint Pierre, il nous propose ici une partie de ce monde qu'il fait et défait selon les injures du temps et ses envies. Il y rencontrera un public trop peu au fait de cette forme d'expression artistique, souvent connue par et uniquement par le Facteur Cheval.

Exposition Coskun "Oeuvres récentes"

1998-09-14T14:48:00.008+02:00

du 25 septembtre au 29 octobre 1998

Coskun, né en 1950 en Turquie, vit et travaille à Paris depuis 20 ans. Il expose en France, en Allemagne, au Danemark, en Suisse, en Turquie.

Sa matière est le bois, des bois qu’il travaille à la tronçonneuse, engendrant des silhouettes violemment incisées dans ses blocs balafrés d’entailles et de crevasses, jamais polies, afin de conserver au maximum leurs textures.

La vigoureuse expressivité de son langage prend forme dans ce puissant corps à corps avec la matière. Il donne naissance à des corps d’anges, de femmes, des silhouettes aux morphologies totémiques ou ramassées, massives ou déliées, cambrées ou recourbées, d’autres fois face à face et entrouvertes dans un rapprochement charnel, ou encore ciblant des animaux en mouvement.

Empruntant à l’art primitif mais aussi à l’expressionnisme sa façon de faire passer la subjectivité, l’émotion, la violence, Coskun emprunte également au baroque une certaine exubérance…

C’est dans le cadre de la Maison des Arts que Coskun va exposer ses œuvres récentes, une centaine de sculptures et de dessins réalisés entre 1995 et 1998, dont la série « Anges » comportant des pièces de 4 mètres de haut exposées en extérieur dans le parc ainsi qu’un échiquier géant de 2,50 x 2,50 m.

Exposition de Shahabuddin « Œuvres récentes »

1997-06-06T11:53:00.004+02:00

6-29 Juin 1997

"Shahabuddin ou la beauté militante"

"La beauté peut-elle encore être un critère aujourd’hui en matière d’Arts Plastiques ?

Le peintre Shahabuddin répond par la force militante de ses corps en mouvement dans une décomposition du geste parfois douloureuse, parfois apaisée.

Un Bacon transfiguré par l’énergie à vivre et non plus à être. Mais les tableaux de Shahabuddin regorgent d’Histoire : Shahabuddin a combattu, entouré d’une famille ancrée dans la politique depuis longtemps ; il s’est battu pour l’indépendance de son pays. Même s’il ne désire le mettre en avant, son énergie, sa rage aussi face à la souffrance transpirent dans chacune de ses toiles. Le Bengali envoie ce souffle puissant dans chaque geste et nous rappelle la fascination des corps pour Raphaël et son époque : ici pourtant le corps se tend à l’extrême dans le mouvement que lui impose l’engagement ou bien la vie ?

Parti des douceurs safranées du Bangladesh, il passera en arrivant à Paris et en découvrant, hors des livres estudiantins, la peinture occidentale « en vrai », à une peinture plus métallique, angoissée qui crève la toile à coups de pinceaux virulents. Aujourd’hui, et cette exposition en témoigne, il aborde le monde au sommet de sa technique - apparemment - en réconciliant les teintes asiatiques, le portrait et l’abstraction violente de son expression artistique."

Anne Maurellet

Shahabuddin

La peinture de Shahabuddin est en permanence soulevée par des arrachements organiques qui emportent des amas de chairs nouées et fissurées dans les ressacs d’une dynamique heurtée. Ce décor affolé, dont le corps en action est le moteur, procède d’une réalité transgressée, jamais indemne. Bousculée, tuméfiée, réduite à ses lignes de force, elle est le réceptacle d’un conflit vécu et nourri par la conscience blessée d’un artiste profondément attaché aux vicissitudes de l’histoire de son pays.

Néanmoins, au sein de ce processus de destruction, qui convoque simultanément sa réincarnation, les personnages regroupés ou isolés ne se tiennent pas dans le « DASEIN » ou l’être-là, sans autre justification que le poids de leur présence. Car ce qui vit et se joue dans ces espaces ombrageux, ne fonctionne pas innocemment. Shahabuddin y laisse sourde sa condition de révolté, son besoin de liberté, que son énergie innerve dans son iconographie, avec une flamboyante intensité sensorielle, dans le droit fil des luttes soutenues contre l’oppression.

La récurrence de ses thèmes, où tranchent des portraits du sheikh Mujibur Rahman, fondateur de la république du Bangladesh, de sa fille, sheikh Hasina, aujourd’hui premier ministre, et aussi de Gandhi ou Tagore, illustrent certains axes majeurs de son itinéraire, non pas sur le mode du témoin sentimental, mais sur celui de combattant fervent qu’il n’a cessé d’être.

Cependant, le lexique pictural de Shahabuddin n’est pas uniquement constitué des protagonistes illustres de sa mythologie, mais surtout de corps anonymes en mouvement, courant, sautant, vociférant, aux masques crispés à demi effacés, aux muscles saillants et aux postures volontaires, qui font plus allusion aux légions de braves dont le sacrifice a contribué à chasser l’occupant pakistanais, qu’à des athlètes cueillis en plein effort. Pourtant, on ne trouve pas ici de débordements dramaturgiques ou de dérives idéologiques, mais des images analogiques puissantes et expressives, gouvernées par une énergie conquérante, où l’on oublie la trame narrative pour ne retenir que l’impact fusant des codes de la peinture.

Conduites jusqu’à l’épuisement de la trace du pinceau, à travers un traitement convulsif de la forme, dans une suite de dérèglements gestuels subtilement dirigés, les figures de Shahabuddin traduisent ce qu’il ressent d’immarcescible à l’intérieur de lui-même, mêlé aux appels d’une vie ouverte sur l’espoir.

Gérard Xuriguera

Exposition d'Albert Féraud

1995-04-03T15:49:00.015+02:00

On ne peut pas parler de Féraud, de ses sculptures sans dire son atelier, ses espaces... L'œuvre y prend certes son souffle mais elle s'en détache avec superbe, le moment venu, presque naturellement, comme une cellule aboutie s'éloigne de la masse qui la génère. Les lieux de Féraud sont psychiquement et physiquement imprégnés d'une atmosphère de gestation.

Un hangar, vaste et banal, est encombré, envahi de matériaux, pièces usinées, plaques diverses, rebuts de ferraille entassés, empilés, formes rustres en attente ou reste aléatoire de la confrontation entre l'artiste et la matière, que le temps unifie de poussières métalliques. Étrange univers désordonné et dérisoire que ponctuent insolentes, baroques, excessives, généreuses des œuvres achevées. Immédiatement identifiables, elles s'imposent au milieu des substances anonymes et matricielles. Curieux destin que celui de ces aciers inoxydables magnifiés par la force de l'acte créatif. Féraud réinsuffle la vie à des éléments inertes. Il rompt leur état d'abandon en les introduisant dans ses compositions, intervient dans leur prédestination, les détourne de leur vocation pour les inclure dans de nouvelles histoires. Une mutation se manifeste. En associant des éléments hétéroclites, en les liant par la flamme, Féraud libère des formes uniques et originales où la matière vibre de secrètes sonorités.

L'addition, l'accumulation maîtrisée d'ingrédients disparates et inactifs donnent naissance à des morphologies mouvantes. Nous sommes en présence d'une alchimie où le métal n'est pas transmuté mais son intériorité réactivée. Des corps paraissent. Des mondes végétaux, cellulaires se développent. Du seul fait des matités ou des luminances, de leur relation, l'acier capte la lumière, la renvoie, la piège, l'amplifie. La corrélation des formes, le jeu des soudures, la préciosité ou la rugosité des surfaces ajoutent aux frémissements qui émanent de chaque sculpture. Sculptures, lianes, racines, femmes, comme happées par la lumière qui les dresse alors qu'elles semblent prêtes à s'infiltrer dans le sol qui les reçoit. Elles sont respirations, palpitations. Elles continuent au-delà de ce qu'el- les montrent, à susciter le mouvement. Elles irradient bizarrement des forces libérées. Forces qui résultent d'un face à face exclusif et dangereux. Sculpteur qui sait le combat avec les éléments, Féraud perpétue et innove dans ce long et périlleux contact. Son œuvre s'inscrit dans la lignée de celles qui marquent de leurs traces, de leurs différences le siècle qu'elles traversent.

Solitaire et nu, Féraud se brûle dans un corps à corps existentiel afin que la sculpture conserve, au-delà des appréciations et des mots, des modes et du temps, sa vertu majeure, la vérité. Au soir d'un siècle empêtré dans ses contradictions, dévoyé par les apparences et les illusions, Féraud assume avec majesté et modestie, la pérennité d'une création vraie, agressive où homme, esprit et matière confondus tentent la plus essentielle des rencontres.

Michel Faucher

Exposition Jean-Pierre Rives

1993-05-05T11:24:00.005+02:00

"C'est un très grand plaisir que d'accueillir en notre Maison des Arts et de la Nature les œuvres de Jean-Pierre Rives, pour ce qui est sa première grande exposition personnelle à Châtillon - après une première apparition fugitive dans le cadre d'une exposition collective présentée par le Théâtre.

S'il semble bien naturel que Jean-Pierre Rives expose dans la ville où il a choisi de résider, il n'en demeure pas moins que cette invitation qui lui a été faite repose d'abord sur la reconnaissance d'un véritable talent de créateur et de l'édification qu'il accomplit patiemment d'une « œuvre », ouverte, riche, diverse, ancrée dans notre temps.

Mais plus fondamentalement, c'est aussi à l'homme que nous voulons rendre hommage parce qu'il nous apprend que la démarche créatrice n'est interdite à personne, que l'art et la vie ne sont pas inéluctablement séparés et que l'on peut passer du sport à la création artistique sans rien renier de sa personnalité.

L'acte de créer ne doit pas être enfermé dans une sorte de microcosme du geste culturel. Il peut imprégner, sans trahir son essence, toute la gamme des activités humaines et revêtir les formes les plus diverses. L'œuvre d'art peut n'en être qu'une des multiples formes; la plus accomplie sans doute, en particulier lorsqu'elle est « offerte » au public.

C'est sous cette forme que l'art de Jean-Pierre Rives nous est aujourd'hui perceptible."

Jean-Pierre Schosteck

Maire de Châtillon

Vice-Président du Conseil Général